Extrait de l'avant-propos de Madeleine Blondel, directrice des musées d'Art sacré et de la Vie bourguignonne Perrin de Puycousin, à Dijon et Rémi Cariel, conservateur-adjoint au musée des Beaux-Arts de Dijon et directeur du musée Magnin.

Pionniers de nouvelles formes d'expression, notamment la voie de la non-figuration, les artistes qui, après la Seconde Guerre, prirent le relais de l'École de Paris se sentaient héritiers d'une tradition artistique, cubisme inclus, qui maintenait le lien avec la réalité. L'attachement à la forme, à une palette, à une recherche d'harmonie leur valut d'être sollicités tant par le monde du théâtre que celui de l'art sacré.

On sait que la Biennale de Venise de 1964 consacra la place artistique de New York. Les années i960 connurent aussi des courants artistiques radicaux (Cobra, Zéro, Nouveaux Réalistes, arte povera, art cinétique, art conceptuel...) qui n'empêchèrent pas Bertholle, Le Moal, Manessier, Stahly, Martin, épris du langage de la peinture et de la sculpture, de continuer leur oeuvre, mais ils finirent, à quelques exceptions près (de Staël, Poliakoff), par les marginaliser. Certains (Estève, Bazaine) bénéficièrent de la reconnaissance tardive d'une exposition nationale.

Post-modernisme aidant, on constate depuis quelques années un regain d'intérêt, certes encore timide, pour ces artistes: L'Envolée lyrique au musée du Luxembourg, Manessier à Abbeville, L'Académie Ranson à Rambouillet, Le Moal prochainement... L'exposition de Dijon voudrait participer à cette réévaluation.

Son premier objectif est de combler un manque: aucune exposition d'envergure n'a été réalisée pour Bertholle. Embrasser l'oeuvre sur près de soixante ans permet de mettre en valeur ses différents visages. On y voit, d'une part des changements notables, tels le passage à l'abstraction dans les années 1950 et le retour à la figuration à la fin des années i960; et d'autre part, des éléments de continuité -attachement au dessin, à la composition, thèmes récurrents et obsessions, comme cette conviction que «toute oeuvre de qualité est claire-obscure».

Le second parti de l'exposition consiste à mettre en valeur l'oeuvre à dominante religieuse. La peinture de Bertholle n'est pas une profession de foi, et l'artiste a la chance de pouvoir se créer un monde où le profane et le sacré ne sont pas séparés. Mais chez ce chrétien qui peignait Bible ouverte, la Passion ou la Table d'oblat rejoignaient l'appétence pour le mystère, nourrissaient la soif de sacré, confirmaient la vision personnelle et artistique d'un monde traversé par le combat de l'ombre et de la lumière.

Une place particulière a été faite aux oeuvres des années 1950: plusieurs peintures de ces années-là n'ont jamais été montrées jusqu'à une date récente, et le regard que l'on porte sur cette période en général et sur celle de Bertholle en particulier est, pour des raisons qui nous échappent en partie, particulièrement bienveillant.